Joan Manuel Salazar

Gordon Willis A.S.C, filmografía

2007-02-09T15:36:00.000-03:00

Un verdadero maestro con dedicación y empeño en la cinematografía mundial. Willis a destacado por su enorme contribución a la estética y la imagen plasmada en tres décadas de películas que han encantado y maravillado a la audiencia mundial. Catalogado como el maestro de la sub exposición, sus trabajos son metódicos y con una textura delicada donde la concepción de las sombras y las penumbras son resaltadas como el verdadero espíritu e hilo conductor de las historias. Seguramente sus trabajos mejores catalogados los ha logrado en la entrega de la trilogia de El Padrino, donde el juego clave de la luz y las sombras en el personaje de Marlon Brando crea la atmósfera y la perspectiva en torno al estilo de vida de este sub mundo llamado mafia.

The Land Lord (1970, Hal Ashby)

Buscando Amor (1970, Irvin Keishner)

Little Murdes (1971, Alan Arkin)

Klute (1971, Alan J. Pakula)

Up The Sandbox (1971, Irvin Kershner)

El Padrino (1972, Francis Ford Coppola)

Bad Company (1972, Robert Benton)

The Paper Chase (1973, James Bridges)

El Padrino 2 (1973, Francis Ford Coppola)

Último Testigo (1974, Alan J. Pakula)

Con el agua al cuello (1975, Stuart Rosenberg)

Todos los Hombres del Presidente (1976, Alan J. Pakula)

Annie Hall (1977, Woody Allen)

Llega un Jinete Libre y Salvaje (1978, Alan J. Pakula)

Interiores (1978, Woody Allen)

Manhattan (1979, Woody Allen)

Recuerdos (1980, Woody Allen)

Ventanas (1980, Gordon Willis)

Dinero Caido del Cielo (1981, Herbert Ross)

La Comedia Sexual de una Noche de Verano (1982, Woody Allen)

Zelig (1983, Woody Allen)

Broadway Danny Rose (1984, Woody Allen)

Perfect (1985, James Bridges)

La Rosa Purpura del Cairo (1985, Woody Allen)

Esta Casa es una Ruina (1986, Richard Benjamín)

The Pick-Up Artist (1987, James Toback)

Noches de Neón (1988, James Bridges)

El Padrino 3 (1990, Francis Ford Coppola)

Presunto Inocente (1990, Alan J. Pakula)

Malicia (1993, Harold Becker)

La Sombra del Diablo (1997, Alan J. Pakula)

Vittorio Storaro A.I.C - A.S.C, filmografía

2007-02-02T10:24:00.000-03:00

Vittorio Storaro seguramente es el más exitoso y renombrado director de fotografía de Italia. Su trayectoria abarca cerca de 40 años de inmumerables obras de arte donde ha plasmado su creatividad y talento. Ha trabajado con directores prestigiosos y reconocidos que han visto en él un estilo visual y de composición estética que ha maravillado a millones de espectadores. Es merecedor del honorífico A.I.C por parte de su natal Italia, a lo mismo que indiscutido ganador del A.S.C por parte de Estados Unidos. Gracias a su desempeño profesional ha ganado varios premios importantes dentro de la industria, pero los más aclamados han sido los tres premios Oscar obtenidos con “Apocalypse now” de Francis Ford Coppola (1976), "Reds" de Warren Beatty (1979) y "El último Emperador de Bernardo Bertolucci (1986).

1968: “Giovinezza giovinezza” Franco Rossi
1969: “Delitto al circolo del tennis” Franco Rossetti
1969: “La strategia del ragno” Bernardo Bertolucci
1969: “L´uccello piume di cristallo” Dario Argento
1970: “Il conformista” Bernardo Bertolucci
1970: “L´eneide” Franco Rossi
1971: “Addio Fratello crudele” Giuseppe Patroni
1971: “Giornata nera per l´ariete” Luigi Bazzoni
1971: “Corpo d´amore” Fabio Carpi
1972: “Orlando furioso” Luca Ronconi
1972: “Ultimo tango a Parigi” Bernardo Bertolucci
1972: “Blue gang” Luigi Bazzoni
1973: “Malizia” Salvatore Samperi
1973: “Giordano Bruno” Giuliano Montaldo
1973: “Identikit” Giuseppe Patroni
1974: “Le orme” Luigi Bazzoni
1974: “Novecento” Bernardo Bertolucci
1975: “Scandalo” Salvatore Samperi
1976: “Apocalypse now” Francis Ford Coppola
1977: “Agatha” Michael Apted
1978: “La luna” Bernardo Bertolucci
1979: “Reds” Warren Beatty
1981: “Un sogno lungo un giorno” Francis Ford Coppola / Un golpe al corazón
1982: “Wagner” Tony Palmer
1983: “Ladyhawke” Richard Donner
1984: “Pietro il grande” M. Chomski
1985: “Capitan EO” Francis Ford Coppola
1985: “Ishtar” Elaine May
1986: “L´ultimo imperatore” Bernardo Bertolucci
1987: “Tucker” Francis Ford Coppola
1988: “New York story” Francis Ford Coppola
1989: “Dick tracy” Warren Beatty
1989: “Il te´ nel deserto” Bernardo Bertolucci / Un refugio para el amor
1991: “Tosca” Giuseppe Patroni
1991: “Il piccolo buda” Bernardo Bertolucci
1994: “Roma: imago urbis” Luigi Bazzoni
1995: “Flamenco” Carlos Saura
1996: “Taxi” Carlos Saura
1997: “Bulworth” Warren Beatty
1998: “Tango” Carlos Saura
1998: “Mirka” Rashid Benhadj
1998: “Goya in Bordeaux” Carlos Saura
1999: “Picking up the pieces” Alfonso Arau
1999: “Frank Herbert´s dune” John Harrison
2000: “La traviata” Giuseppe Patroni
2001: “Personaggi dell´arte” Academia
2003: “Dominium the prequel of exorcist” Paul Schrader
2003: “Zapata” Alfonso Arau
2004: “Exorcist” Renny Harling
2004: “L´armata russa in Vaticano” Cesare Gigli
2005: “All the invisible children” Stefano Veneruso

Formatos cinematográficos

2007-01-02T16:26:00.000-03:00

Al inicio del cine, las primeras proyecciones se realizaban sin un formato cinematográfico estándar (aspect ratio), esto era con motivo de que no existía una industria consolidada, que se guiara por normas y reglas de conducta, además que los realizadores no lograban establecer las patentes para determinados inventos, con lo cual los experimentos de filmación y proyección se realizaban sin un criterio definido.

Las filmaciones se realizaban en una cinta con componentes químicos denominada película y que podía tener diversos formatos de tamaño que fueron variando y adaptándose a lo largo del tiempo. El formato más conocido y utilizado es el 35 milímetros, aunque también fueron desarrollados el 8mm, 9,5mm, 16mm, 55mm y 70mm, entre los más conocidos.

Luego de la consolidación de la industria fílmica y con la creación de los grandes estudios en Estados Unidos como la Twenty Century Fox, la Paramount, la Columbia y la Warner Bros, el tratamiento de la imagen en la filmación y proyección se estableció con una relación de aspecto de 1,37:1 (similar a la actual televisión), que es una proporción que implica el modo de exhibición del formato de película y está dado en una relación entre el ancho y el alto de la imagen. Por ejemplo, cuando hablamos de una relación de aspecto de 2,35:1 quiere decir que la imagen es 2,35 veces más ancha que alta.

En este fotograma podemos apreciar las diferentes relaciones de aspecto en el cine. Por ejemplo, la imagen más apaisada es la que corresponde a una ralacion de 2,66:1 y la imagen más cuadrada llega a 1,33:1 que es similar a la actual televisión.

La proporción de 1,37:1 se mantuvo durante varios años hasta que se estableció como norma que la imagen fuese más ancha que alta por motivos prácticos y estéticos. Es así como se inventó el sistema Cinerama, creado por Fred Waller y que consiste en la filmación con tres cámaras sincronizadas y equilibradas en forma horizontal para establecer una super imagen apaisada en su exhibición. La filmación se realizaba con película 35mm y la exhibición era mediante tres proyectores sincronizados, lo cual triplicaba la pantalla lo que lo hacía una proyección espectacular. Al utilizar este sistema los costos se triplicaban, tanto en el rodaje, la post producción y la exhibición misma, razón por la cual, era un sistema sumamente caro de utilizar y por lo mismo fue abandonado años después. La película más exitosa en producirse bajo este método fue “Como el oeste fue conquistado” (How the west was won, 1962).

Luego del fracaso del sistema Cinerama, los estudios se esmeraron por crear nuevas técnicas cinematográficas, con este objetivo la Twenty Century Fox se armó del sistema más famoso de proyección llamado CinemaScope que utilizada película de 35mm. Este fue creado por Henri Chrétien y su característica principal es que es el primer sistema anamórfico utilizado en el cine. La denominación de anamórfico radica en que el sistema de lentes cóncavos y convexos utilizado en la filmación podía encoger la imagen en el fotograma a una relación de 1,37:1 y mediante la descompresión de la imagen en la exhibición se podía llegar a un ratio de 2,66:1. Mediante este método se conseguía el mismo efecto que el Cinerama pero de una forma mucho más fácil, barata y con una sola cámara. Luego, con la incorporación de la banda de sonido la relación de aspecto bajó a 2,35:1.

Por esos años se creó el sistema CinemaScope55 y la diferencia con el sistema anterior era el tamaño de la película, pasando de 35mm a 55mm, por ende era de mayor calidad (Mientras más grande el negativo original de cámara, la calidad es mayor).

Otro de los sistemas desarrollados en la industria fílmica es el VistaVisión, con película de 35mm, que se caracterizaba por el paso de la película en forma horizontal a través de la cámara, lo mismo ocurría en la proyección, lo que permitía que cada imagen tuviese 8 perforaciones en cada fotograma, a diferencia de las 4 perforaciones que posee el sistema normal. Con esta técnica se realizaron películas como Vértigo y Los Diez Mandamientos.

Otros sistemas cinematográficos fueron el Tecnirama en 35mm y con aspect ratio de 2,35:1 que al igual que el sistema VistaVisión, utilizaba película en forma horizontal y el sistema SuperScope, también en 35mm y con un aspect ratio de 2,55:1, pero fueron prontamente desechados.

Una de las empresas más importantes que trató de competir con el sistema Cinemascope fue Panavisión Inc. que al comienzo era un distribuidor de lentes cinematográficos que se hizo conocida por la creación de un sistema anamórfico de proyección de 2,76:1, con lo cual se obtenía la mayor imagen proyectada hasta la fecha. Con este sistema destaca la película Ben-Hur en 70mm. Algunos cines tuvieron que reducir el tamaño de exhibición ya que la imagen proyectada era demasiado grande para sus pantallas. Los lentes que fabricó la Panavisión y su sistema pasaron a llamarse UltraPanavisión.

En la actualidad las películas que se proyectan son en 35mm, con paso de ventanilla en forma vertical, poseen 4 perforaciones por cada fotograma y tienen un aspect ratio de 1,85:1 o 2,35:1. En el caso de la relación 1,85:1 no es una imagen anamórfica, por lo cual, la imagen que se filma en el negativo original de cámara es la misma que se proyecta en la pantalla grande. Por el contrario, el aspect de 2,35:1 es anamórfico, y la imagen en el fotograma está achatada en ambos lados y necesita de una lente especial que descomprima la imagen. El 2,35:1 genera una imagen proyectada mucho mayor que el 1,85:1 y por eso requiere compresión, porque en el mismo espacio del fotograma proyecta una imagen más ancha. Bajo esta iniciativa las películas del género dramático se filman en 2,35:1 para conseguir un efecto más espectacular. Lo contrario para los géneros de comedia que usualmente se filman con una relación de 1,85:1.

Otro de los sistemas cinematográficos inventados ha sido el IMAX, que se caracteriza por usar película de 70mm, pero con paso de ventanilla en forma horizontal, además de usar 15 perforaciones por cada fotograma. Con esto se logran imágenes con una gran calidad y que gracias a su excesivo tamaño se deben proyectar en espacios muy grandes. Las medidas de la pantalla son similares a una cancha de fútbol, por ende, este sistema necesita de un tratamiento especial, ya que la cámara filmadora es muy grande, lo mismo que los proyectores, y es por esto que se deben construir complejos de cine especiales para sostener toda esta tecnología. Este sistema es tan costoso que las piezas audiovisuales que se realizan en él son documentales que es la mejor manera de sacarle el máximo provecho, con la sensación de imágenes de naturaleza.

16/9 wideScreen

Las aplicaciones de aspect ratios realizadas al cine tienen su equivalente en el sistema casero con el formato DVD. Con esto nacen palabras como 16/9 y wideScreen. También se incorporan las franjas negras horizontales en el televisor. Por lo mismo el DVD se presenta, en la mayoría de los casos, en su versión original de proyección de cine, pero muchas personas piensan que al incorporar las franjas negras se pierde imagen, esto es todo lo contrario, ya que vemos una imagen rectangular similar a la proyección en el cine. Antiguamente lo normal era trasmitir en un televisor siempre una relación de aspecto de 4/3 y por lo mismo las películas que se transmitían en televisión sufrían severas mutilaciones ya que al transferirlas del celuloide a un soporte de video se aplicaba un concepto llamado Pan & Scan que simplemente ampliaba la imagen del fotograma hasta hacerla coincidir con la proporción del televisor.

En la actualidad y con la aparición de los televisores panorámicos que ofrecen una visión de 1,66:1 más los reproductores DVD en norma Blue Ray, se puede apreciar una película con similares características a la proyección original de cine. Si vemos una película filmada en 1,85:1 con un sistema de televisión con las características señaladas, las franjas negras puestas en pantalla serán muy pequeñas. Estas imágenes caseras, equivalentes a las cinematográficas reciben el nombre de WideScreen, o sea, pantalla ancha, que se identifican por las franjas negras en pantalla.

Los sistemas de proyección han ido evolucionando enormemente gracias a los avances tecnológicos y hoy en día los formatos digitales están compitiendo con el celuloide, es el caso impuesto por George Lucas y sus últimas películas de la saga de las galaxias. El mercado audiovisual está abierto a recibir nuevas propuestas y a compatibilizar un formato análogo como el cine 35mm con un formato digital como el Cine Alta.

Profundidad de campo

2006-12-29T12:17:00.000-03:00

La profundidad de campo se puede definir como el rango de foco nítido que existe en una imagen antes y después del punto de foco seleccionado.

De esta manera y mediante la técnica podemos manejar la profundidad de campo a favor del estilo y narración estética de una determinada pieza audiovisual.

En base a esto, aumentando la profundidad de campo, podemos incluir mas personajes y objetos claramente distinguibles en un plano determinado. Por el contrario y disminuyendo la profundidad de campo, podemos lograr que un sólo personaje u objeto quede nítido en nustra imagen y que el resto del cuadro aparezca desenfocado. Con esto podemos resaltar y dar una mayor significación a lo que hemos seleccionado.

La técnica para controlar y modificar a la profundidad de campo son 4:

1) Distancia focal del lente (gran angular a tele objetivo)

2) Distancia objeto cámara

3) Apertura del diafragma

4) Velocidad de obturación

Con esta información podemos determinar y efectuar lo siguiente:

1) A mayor distancia objeto cámara, mayor la profundidad de campo

2) A mayor diafragma, mayor profundidad de campo

3) A mayor distancia focal, menor profundidad de campo

4) A mayor velocidad de obturación, menor profundidad de campo

Ley del inverso del cuadrado

2006-12-13T11:56:00.000-03:00

Al trabajar en cine o cualquier medio de almacenamiento de imagen, se debe tener presente las condicionantes físicas que posee la luz, y es así como la iluminación que recibe un plano concreto no varía en proporción directa a su distancia a la fuente luminosa, sino en relación con el cuadrado de esa distancia. Pero esta relación es inversa, es decir, a medida que aumenta la distancia, disminuye la iluminación. Por tanto, si una superficie situada a una distancia concreta de la fuente luminosa recibe una cierta cantidad de iluminación, una superficie dos veces más alejada de la fuente recibirá ¼ de esta iluminación. Por lo tanto, la misma iluminación queda esparcida en una superficie cuatro veces mayor.
La ley sólo es aplicable a fuentes de luces puntuales y puede aplicarse para determinar los ajustes de la exposición correspondientes a los planos y a la mayoría de las superficies de los sujetos. Esto tiene directa relación el el tipo de fuente a utilizar un una escena determinada, asi como el diafragma a ocupar, y con esto, la profundidad de campo.

Ajustes de exposición= (distancia nueva) 2
(Distancia anterior) 2

Por ejemplo, si una fuente luminosa situada a 4 m del sujeto es desplazada a 16m del mismo, entonces

(16)2 = 256 = 16
(4)2 16

Puesto que la relación entre la distancia y la intensidad es inversa, la respuesta indica que la luz que incide sobre el sujeto tiene solo 1/16 de intensidad anterior, por lo cual, se requiere una exposición 16 veces superior. Esto puede obtenerse multiplicando el tiempo de exposición anterior por 16 o con una abertura adicional de 4 diafragmas.

Una superficie situada a 1 metro de la fuente luminosa (A) recibe una cierta cantidad de luz y posee la luminosidad correspondiente. Una superficie dos veces más alejada de la fuente luminosa (b) solo posee ¼ de esta luminosidad, ya que la misma cantidad de luz se distribuye en una superficie (2)2=4 veces mayor. Una distancia tres veces mayor (c) la luz se distribuye por una superficie (3)2=9 veces mayor, con lo cual, solo ofrece 1/9 de luminosidad. Al cuadriplicar la distancia (d) es (4)2=16 veces mayor, su luminosidad solo equivale a 1/16 de la que corresponde a la superficie más cercana (a)

Transfer

2006-12-13T11:50:00.000-03:00

Antes de poder realizar una definición precisa de cada uno de los pasos señalados, debemos de entender y comprender cuál es el proceso de Transfer, en que consiste y para que nos sirve.

Muy básicamente el transfer consiste en el traspaso de material fílmico a video digital. Cuando hablamos de un material fílmico es para referirnos principalmente a 35mm, 16mm o super 16mm, que son los formatos más usados, dejando un poco de lado formatos un poco obsoletos o poco usados como son el 8mm, super 8mm y 65/70mm.

Al traspasar mediante el sistema de transfer se puede guardar principalmente en cualquier medio de almacenamiento digital, ya sean cintas como DVcam, MiniDV, Beta digital, etc. También se puede almacenar en disco duro, DVD o capturarlo en un software de edición. Otro de los almacenamientos puede ser a sistemas de cintas analógicos como VHS, super VHS, ¾ UMatic, Beta SP, etc.

El sistema de transfer posee los siguientes componentes:

1) Un telecine: Es una máquina donde se enhebra el film y pasa por un sistema de poleas donde existe una cámara de video que captura cada fotograma y lo convierte en señal digital. También se encuentra un aparato que es un lector de códigos de tiempo filmicos que mediante un laser lee la información impresa a un costado del filme y lo envia a un sistema de software para su almacenamiento y uso. Este sistema es muy importante ya que es la única forma de sacar la información de código de tiempo impresa en la emulsión y con esto llevar a cabo el proceso de corte de negativo. Este proceso se realiza enviando esta información a la cinta de video con la información en pantalla que luego cuando se hace la edición queda listo para llevar al corte de negativo.
Otro de los aparatos que puede existir en un telecine es un lector de sonido que permite hacer las copias de material positivo de proyección de salas que vienen con sonido, esto puede ser para 35mm o 16mm, y se traspasan principalmente a cinta de video.

2) Mesa de colorización y control: Esta es literalmente una mesa de trabajo donde se puede controlar el telecine además de permitir hacer todas las correcciones a un material fílmico, como correcciones de brillo, contraste, color, gamma, reencuadres, etc.

3) Mesa de colorización secundaria: Esta es una pequeña mesa de trabajo que es más precisa y con más detalles de correcciones que mesa principal y se pueden complemetar para un trabajo más óptimo. Además de hacer correcciones de brillo, contraste, gamma, color, se pueden hacer correcciones de dosificación de color con una serie de mascaras y realizar key frames para correcciones con movimientos.

El sistema de transfer se complementa con un monitor digital de gran calidad para visionar todos estos procesos y con una serie de perifericos que ayudan en todos los procesos como un reductor de ruidos (DVNR) y todos los sistemas de grabación y almacenamientos que sean adecuados.

El ingenio de Gregg Tolan

2006-12-13T11:31:00.000-03:00

Gregg Tolan fue uno de los grandes directores de fotografía de le época dorada del cine mundial. Su película más importante es Cuidadano Kane, dirigida por el brillante Orson Welles.

Toland recurrió a su ingenio y experimentación para valerse de nuevas técnicas cinematográficas y junto con esto desarollar una nueva estética y perspectiva en el cine.

En una de las escenas de la película mencionada, Orson Welles aparece sentado frente a su máquina de escribir en primer plano, a menos de un metro de distancia de la cámara. Mientras el actor Joseph Cotten queda en una zona intermedia, a dos metros de Welles, y el tercer actor, Everett Sloane al fondo, tan lejos que parece más pequeño que la nariz de Welles. Este uso de la profundidad de campo es comparable al empleo de las sombras en la película El Gabinete del Doctor Caligari.

Gregg Tolan quería demostrar con esto que era posible filmar con un objetivo de 24mm y conseguir ese tipo de planos, cuando lo normal era utilizar objetivos de 50mm y 100mm. Los de 24mm crean una serie de distorsiones visuales que agrandan el centro de la imagen y tienden a empujar el fondo fuera del objetivo de la cámara, reduciéndolo y exagerando la perspectiva hasta hacer que los elementos aparezcan más alejados de lo que están. Gregg Tolan también supo aprovechar los nuevos arcos luminosos con el fin de poder cerrar aún más el diafragma y conseguir una mayor profundidad de campo. Para la escena de la máquina de escribir, Cotten y Sloane fueron rodados con una cámara de poca longitud focal y luego se proyectaron sobre una pantalla justo detrás de donde estaba sentado Welles-Kane. La imagen resultante se volvió a filmar para dar lugar a una nueva imagen con una apariencia de profundidad de campo mucho mayor.

Cronograma de la Cinematografía

2006-03-08T17:53:00.000-03:00

1824 Ayrton (ING) Taumatropo (disco con 2 imágenes)

Fenastiscopio, Zootropo y Praxinoscopio

1826 Niepe (FRA) mediante máquina realiza dibujos precisos

1834 Horner, Zootropo de tambor

1839 Daguerre – Daguerrotipos en placa de cobre

1841 Talbot (ING) Calotipos (copias)

1877 Edison, fonógrafo, 1879 Lámpara

1878 Barret (FRA) baja exposición a 1/25

1880 Maybgridge, fusil fotográfico (caballos, mujeres)

1882 Marey, velocidad lenta, diafragma abierto, Cronofotografías

1888 kodak

1888 Películas con muescas

1890 Películas perforadas

1890-1891 Edison y Dickson, Kinetógrafo y Kinotoscopio

1895 Hermanos Lumiere, Cinematógrafo

1914 Riccioto Canudo, “Manifiesto de las Siete Artes

Almacenaje de película filmica

2006-03-08T17:45:00.000-03:00

Tipo de película Duración Temperatura
Raw stock Menos de 6 meses 13º
Raw stock Más de 6 meses -18º a -23º
Expuesta Menos de 6 meses -18º a -23º
Expuesta Más de 6 meses No se recomienda
Material procesado B/W Menos de 6 meses 21º
Material procesado B/W Más de 6 meses 21º
Material procesado color Menos de 6 meses 21º
Material procesado color Más de 6 meses 2º

Las etiquetas de productos más entupidas de la historia….hay que ser muy...!!! y no es chiste

2006-03-08T17:39:00.000-03:00

1) En una caja de jabón Dove: "INDICACIONES: UTILIZAR COMO JABON NORMAL." (¿Cómo se usan los jabones... NO normales...?

2) En algunas comidas congeladas Swan: "SUGERENCIA PARA SERVIR: DESCONGELAR PRIMERO." (¿A alguien se le ocurriría comerlo congelado??????)

3) En el postre Tiramisú de Savory (impreso en la parte de abajo de la caja) "NO DAR LA VUELTA EL ENVASE." (¡Uuuuups! ¡Demasiado tarde!...)

4) En un paquete de una plancha Rowenta: "NO PLANCHAR LA ROPA SOBRE EL CUERPO." (Sin comentarios)

5) En un jarabe contra la tos para niños: "NO CONDUZCA AUTOMOVILES NI MANEJE MAQUINARIA PESADA DESPUES DE USAR ESTE MEDICAMENTO." (¿Los niños manejan automóviles y maquinaria pesada?????)

6) En un cuchillo de cocina coreano: "IMPORTANTE: MANTENER FUERA DEL ALCANCE DE LOS NIÑOS Y LAS MASCOTAS.." (¿Qué mascota podría jugar con un cuchillo????... Quien sabe qué mascotas tienen los coreanos)

7) En una tira de luces de Navidad fabricadas en China: "SOLO PARA USAR EN EL INTERIOR O EN EL EXTERIOR." (Ojo, única y exclusivamente...)

8) En un paquete de frutas secas de American Airlines: "INSTRUCCIONES: ABRIR EL PAQUETE, COMER LAS FRUTAS SECAS." (Se debe tener presente que en los aviones viajan personas de culturas y costumbres muy diferentes...)

9) En una sierra eléctrica sueca: "NO INTENTE DETENER LA SIERRA CON LAS MANOS." (No se me habría ocurrido hacerlo!!!)

10) En la caja de un televisor Wauta TV340: ANTES DE MIRAR UN PROGRAMA ENCIENDA EL TELEVISOR." (Error... primero debe enchufarse)

11) En el manual de un teclado RAZOR Keyboard XP. "SI SU TECLADO NO FUNCIONA, ESCRIBAMOS UN E-MAIL A: TECH@RAZOR.COM " (¿Cómo les escribo el mail????. No tengo otro computador)

La Marcha de los Pinguinos

2006-03-08T17:21:00.000-03:00

Ganadora del Oscar al mejor documental 2006 es un buen inicio para estar travesía que llega a las salas del país y donde el relato trata sobre la vida del pingüino imperial en la antártica y como este debe de cruzar por el desierto de frió en busca del apareamiento y la supervivencia de la especie.

El realizador francés Luc Jacques nos sumerge en un mundo casi desconocido donde las temperaturas bajo los 40 grados y las tormentas de hielo azotan las montañas y los valles de la antártica y donde el sol majestuoso crea la atmósfera elemental de colores entre los cielos azules, las blancas tierras y los pingüinos, protagonistas de la supervivencia.

Es así como la marcha del pingüino imperial es toda una travesía de valor y de inteligencia animal, ya que el ritual realizado una vez por año, comienza con el trayecto de los pingüinos desde el mar hacia las llanuras más estables en el clima con el objetivo de buscar una pareja y lograr al apareamiento.

Son cientos de kilómetros de tediosa marcha para asentarse en una superficie estable y compartir con una pareja estable hasta el nacimiento del huevo.

Las frías condiciones climáticas y la falta de alimentación que deben de soportar estos animales son un factor de importancia en este documental, donde su realizador se pasó 14 meses junto a un grupo de 4 personas en las heladas locaciones con el fin último de dar a conocer un precioso trayecto y con esto, crear sentimientos de esperanza y de emoción hacia las personas.

La Aurora Boreal

2005-10-27T20:16:00.000-03:00

La aurora boreal aparece sobre el lago Coal Lake en Yukon, Canadá. Las partículas solares emitidas por las enormes explosiones y las erupciones solares en la superficie del sol colisionan con los gases de la parte superior de la atmósfera terrestre. La energía resultante de esta interacción entre el viento solar y las moléculas en la atmósfera es emitida en forma de fotones.
La enorme cantidad de colisiones hace que la aurora parezca desplazarse sobre el firmamento, creando un maravilloso espectáculo luminoso de la naturaleza.

Es así como el artista Eric Travers pone en la vitrina del Word Express Photo una fotografía maravillosa y espectacular desde diversos puntos de vista.
Para el análisis del cuadro, se debe de recurrir a la sigla CTC, Composición, Técnica y Contenido en el cual se plasman las ideas y la emotividad que la madre naturaleza regala al ser humano.

La composición de la imagen está separada en dos mitades, siendo la parte de arriba la más llamativa y llamada zona celestial, la cual deslumbra al espectador por el color y por el extraño suceso natural de la aurora boreal en la atmósfera de la tierra.
En la parte de abajo el artista sitúa la zona terrenal, en la cual da a conocer que la fotografía pertenece a la realidad, con un cerro y árboles en el horizonte que llaman la atención y le da las bases al espectador para que admire la fotografía y reflexione acerca de las maravillas de la naturaleza.

La técnica de la fotografía es admirable, ya que para poder realizar esa impresión, el artista necesita jugar con la variación del tiempo de la exposición de la cámara, con esto necesariamente el objetivo debe de estar fijo y junto con la composición adecuada se puede crear el efecto buscado por el artista pero dado por la naturaleza.

El contenido de la imagen está dado por la expresión que el artista quiere lograr hacia el público y en el cual demuestra lo inalcanzable y a la vez lo espectacular que es el universo. La espiritualidad del hombre se ve reflejada en algo puro y celestial que encanta a los ojos y al corazón.

Cine Arte

2005-10-27T16:12:00.000-03:00

Una imagen en la cual una flor se abre en solo unos segundos acompañada de música clásica orquestada o el lento pasar de las nubes en un cielo azulado son pequeños fragmentos de lo que denominamos cine arte.

Si bien es cierto no hay una regla, norma o política clara y establecida para catalogar a una película en cine arte hay ciertos elementos claves para entender y comprender este tipo de movimiento cinematográfico.

El llamado cine arte nace cuando existe el afán de las personas por encontrar aquellas cintas en las cuales se rompe el esquema propio del cine comercial como es la taquilla, el marketing, la publicidad y el merchandising.

El objeto del cine arte en algunos casos es solo mostrar un capricho de un determinado director, en otros casos es mostrar la historia fantástica y llena de matices de un escritor o escuchar las diferentes tonalidades y melodías con distintos instrumentos que propone un director musical. En fin un sin numero de elementos que entrelazados cumplen la función de ver de una perspectiva absolutamente diferente las cosas y presentárselas al espectador de manera de crear un sentimiento único y subjetivo.

En Chile existen cines especializados en este tipo de cintas comos son los más comunes el cine arte Normandie, El Biógrafo y el cine arte alameda. Pero también existe una cadena de cine comercial llamada Hoyts que entre sus múltiples complejos tiene cabida para proyectar este tipo de cine.

El gerente administrativo de cine hoyts estación central, Ferrnando Lara, define a este tipo de cine como no comercial y lo cataloga como una forma de expresión única y subjetiva que atrae a publico segmentado y bien definido como son profesionales de las comunicaciones, estudiantes de artes y literatura. También dice que cine hoyts posee convenios con los distribuidores de películas cine arte y los porcentajes de ganancias son relativos tanto para el distribuidor como para el cine.

Es un enorme desafió realizar una película tan segmentada como cine arte, esto es por los enormes costos de producción y de distribución además de tratar de no pasar al olvido y dejar una huella para quienes disfrutan de este estilo. No es importante el competir con enormes producciones hollywodenses, si no más bien llegar a aquellas personas que realmente están preparadas para este estilo de arte.

Hoy en día la brecha entre comercial y arte está cada vez más ajustada por la sencilla razón de que el publico poco a poco se esta entusiasmando más con este ultimo tipo de genero por lo que la aceptación es mayor y se esta generando una especie de seguimiento por aquellas películas de culto.

Fernando Lara de cine Hoyts explica que hay una nueva forma de ver este tipo de cine y que la aceptación de estas cintas esta dada porque las personas aparte de buscar entretenimiento en películas hollywodences también busca sentimientos y emociones más fuertes y ligadas a nuevas experiencias de vida.

En Chile uno de los casos mas congruentes de habla hispana es el del cine de Pedro Almodóvar, que realiza en sus películas un tratamiento de personajes y de situaciones que se podrían catalogar como cine arte.

Del cine norteamericano se podrían rescatar títulos como “Memento” de Christopher Nolan y “Carretera Perdida” de David Lynch. Estas son películas que tienen un controvertido tratamiento estético además de un guión donde el subtexto es una de las principales cualidades.

En el caso de películas chilenas, Fernando Lara, dice que no hay criterios adecuados hasta el momento en el tratamiento de las cintas pero que por ahora resaltan películas que han forjado la historia nacional como patrimonio cultural como el caso de “Valparaíso mi amor” de Aldo Francia y “Tres Tristes Tigres” de Raúl Ruiz.

Sin duda habrá que esperar muchísimos años para que los conocedores del cine nacional cataloguen nuestras cintas y esto se logra cuando las películas adquieren ciertas connotaciones ideológicas, políticas y culturales que resalten y adquieran cierto valor sentimental en el futuro.

Películas imperdibles en el tiempo, 3º parte

2005-10-26T11:41:00.000-03:00

A principios de la década de los 80, el director Ridley Scott lleva a la pantalla grande una obra cinematográfica indiscutible, Blade Runner (1982) la cual se desarrolla en un futuro cercado, donde la tierra es una gran metrópolis oscura y lluviosa, llena de naves espaciales y publicidad de neón. El protagonista, Harrison Ford (Deckart), debe cumplir la misión de exterminar a los replicantes, robots inteligentes e iguales a los seres humanos, y que por su peligrosidad deben ser dados de baja. Con esto Deckart comienza un viaje a lo desconocido, donde más que investigar y explorar los pasajes ocultos de los robots, se ve atraído por su forma de pensar y su espíritu de sobre vivencia.

El silencio de los inocentes (1991), del director Jonathan Demme, es tal vez el filme de suspenso más extremo en la década de los 90. Y no es para menos ya que la brillante actuación de Anthony Hopkins, interpretando al caníbal Hanníbal Lecter, es tal vez una de las mejores actuaciones en su carrera, y donde la crudeza de las acciones y los diálogos hace que la progresión dramática de las escenas sea un hilo conductor de misterio y emociones los cuales mantienen al espectador en constante alerta.

El consagrado actor Tom Hanks, le da vida a un personaje muy especial en la película Forest Gum (1994), donde interpreta la vida de un hombre que sufre de retardo mental y donde los sentimientos y emociones de este ser perpetran al publico y las condiciones humanas que prosperan durante las décadas de los 60, 70 y 80 en los Estados Unidos. Forest Gum cautiva a la gente por medio de su simpleza y ternura, con la cual conquista a una sociedad en constante peligro de decadencia y dejadez.

Belleza Americana (1999) de Sam Mendes; La gran ganadora de los premio oscar en ese año, llevándose 5 estatuillas incluyendo la de mejor actor para Kevin Spacey, y que sin lugar a dudas realiza una magnifica interpretación acompañado del director Mendes que interpreta una poesía de película, creando una atmósfera donde los pequeños conflictos familiares son el hilo conductor de insatisfacciones y pleitos, en un mundo cada vez más competitivo. Es así como la realidad se ve al desnudo y donde los protagonistas se mueven por sus propios intereses dejando de lado el concepto de familia. Lester Burnham (Spacey), tras su impotente vida deja su trabajo para darse un tiempo a si mismo y mediante esto pretende recuperar todos aquellos años de rutina y frustraciones y en aquel camino encuentra un mundo en que las cosas más sencillas son las más grandiosas.

A fines de la década de los 90, el director de origen Hindú, M. Night Shyamalan, salta a la luz cinematográfica con su opera prima y una apuesta fílmica que revoluciona el cine de suspenso, Sexto Sentido (1999), donde Bruce Willis interpreta a un psicólogo infantil llamado Malcom Crowe, quien conoce y pone en sus manos el extraño caso de un pequeño niño (Haley Joel Osment) el cual es aterrorizado por espíritus donde la inocencia e ingenuidad se contraponen con las chocantes imágenes que el director maneja en progresión del tiempo. Y donde el factor sorpresa en el desenlace es llevado en forma espectacular, poniendo al espectador en eterno conflicto y duda por la rara y a la vez sencilla historia.

2005-08-17T11:15:00.000-04:00

Películas imperdibles en el tiempo, 2º parte

A fines de la década de los cincuenta, el director William Wyler, lleva a la pantalla cinematográfica la mejor adaptación de los clásicos épicos, “Ben-Hur” (1959), donde inmortaliza al mítico Charlton Heston y donde las exigencias técnicas y estéticas lo llevan a filmar en 70 milímetros, formato super panorámico que realza la majestuosidad del film. Para esa época el drama, la puesta en escena y los maravillosos decorados hacen que la estructura de la narración, así como los momentos de clímax sean impactantes, logrando completa atención de parte del espectador durante las más de 3 horas y media que dura el filme. Cabe recordar que esta película, junto a Titanic (1997) ha sido la más premiada mundialmente con la entrega de los Oscar, logrando 11 estatuillas.

Para fines de la década de los sesenta, un metódico director, Stanley Kubrick, sorprende al mundo con la apuesta “2001, una odisea del espacio” (1968), donde narra el trayecto y la evolución del hombre desde sus primitivos inicios hasta una época futura; agregando como factor de encadenamiento, un monolito negro que representa la esencia del ser humano y por lo tanto toda su existencia. Hay que destacar que en esta película existe el flash forward más grande en la historia del cine, el famoso plano del mono que lanza el trozo de hueso seguido de un plano de una nave espacial, pasando 5 mil años de historia en una fracción de segundo. Por otra parte esta película está llena de códigos semiológicos e implícitos como el de la super computadora HAL 9000 (letras precesoras de IBM) la cual es representada por un ojo rojo que todo lo ve, similares características las encontramos en “1984” y “The Truman Show” o la danza de las naves espaciales al ritmo del clásico Danubio Azul.

Al hablar de mafia se nos viene a la mente la obra maestra de Francis Ford Coppola, “El Padrino” (1972), y sin lugar a duda la imagen de icono de esta película es el desaparecido Marlon Brando, interpretando a Don Vito Corleone, jefe de una de las familias que controlan los suburbios en New York en la década de los 40. El planteamiento de los personajes, la estructura dramática del guión y la excelente fotografía de Gordon Willis, que gracias al juego de luz y sombra no deja ver los ojos del padrino, hace que esta película sea catalogada como una de las mejores de la historia del cine. Coppola se sumerge en un sub mundo de peligro y confabulaciones entre poderosas familias, donde desarrolla un guión fuerte y ascendente en la progresión dramática de los conflictos y las acciones de los personajes.

Un joven realizador construyó un mundo propio de sueños e ilusiones, su mente dio a luz un universo extraordinario, personajes de las más diversas características e historias dan vida a la extraordinaria saga de “La Guerra de las Galaxias” (1977), de George Lucas, quien diseña y pone alma a cada uno de los personajes, inventa un nuevo universo y junto a ello crea valores y principios, estableciendo la eterna lucha del bien contra el mal. Lucas en su propio mundo desarrolla lo que muy pocos artistas pueden hacer, en esta saga la progresión de las emociones y los sentimientos de los personajes van de la mano con las excelentes composiciones musicales de John Wiliams.
El joven Luke Skywalker transita por una búsqueda de su verdadero yo, con lo cual debe decidir y tomar el rumbo adecuado (imagen del joven viendo la puesta de dos soles, los cuales representan el bien y el mal, o su padre y su madre)

Por último, nuevamente Francis Ford Coppola lleva a la gran pantalla una película estremecedora y cruda, “Apocalypse Now” (1979), donde el Capitán Willard (Martin Sheen) se le encomienda un viaje río arriba en busca de encontrar y asesinar al coronel Kurtz, quien es interpretado por un frío y misterioso Marlon Brando. El director Coppola se nutre de las experiencias vividas durante la guerra de Vietnam y crea un mundo desconsolado y en permanente conflicto, donde la lucha y la muerte son elementos que están en toda la trama, al igual que la locura y el pánico. Una de las escenas clásicas es el ataque de los helicópteros a un poblado vietnamita, donde los grandes parlantes tocando la clásica ópera de Wagner, hacen que la masacre hacia los pobladores sea vista como un juego de feria, donde gana el que más tarros bota.

2005-08-16T17:58:00.000-04:00

La guerra de los mundos y sus cuatro aristas

Hacia 1898 el mundo de la literatura vio nacer un extraño relato sobre misteriosas naves extraterrestres invadiendo nuestro planeta. Se trataba de la pluma del prolífico escritor Herbert George Wells (H.G. Wells), quien para esos años se nutre tanto de su imaginación como de las exigencias y desempeño social que había en ese entonces, no olvidar la creciente industria que se generaba gracias a la revolución industrial, por lo que Wells crea un relato sustentable en el tiempo a la vez que explora y asemeja las cualidades creadas por los relatos de Julio Verne.

Es así como el escritor nos lleva por un mundo futurista pero real, donde la emergente civilización humana sucumbe ante la inesperada llegada de los marcianos tras arribar al planeta tierra en busca de mejores horizontes y obviamente el desastre total del planeta.

Una de las cosas más curiosas y anecdóticas con respecto a este libro que luego se trasformara en una película, es la apuesta de radioteatro que el director Orson Wells lleva al publico masivo en el año 1938, cuando comienza a recitar las primeras páginas de la novela de Wells, provocando el caos y el pánico de los oyentes, llegando a la histeria e incluso al suicidio colectivo como medio de salvación ante la presencia de los llamados marcianos.

Para el año 1953 el director Byron Haskin estremece en los cines con la primera apuesta fílmica de La guerra de los Mundos, provocando expectación y gran conmoción al incorporar efectos especiales de última generación para esa época que realzaban la estética y el impresionismo de la emergente industria fílmica de la ciencia ficción.

El relato es muy parecido al que describe el libro, la caída de misteriosos meteoritos en todo el planeta son el punto inicial de la llegada de los marcianos, los cuales al comprobarse que son hostiles comienza una lucha desesperada de parte lo las fuerzas militares por defender la tierra.

Esta película se centra en el hilo conductor que genera el personaje principal, el doctor Clayton Forrester (Gene Barry), quien dada su experiencia ayuda a elaborar planes de acción así como comprender y evaluar el desempeño y el tipo de estrategias a utilizar por parte del ejército. La historia posee una trama lógica de desempeño progresivo y donde al final, después de la destrucción casi total viene el desenlace, que al igual que en el libro, esta dado por algo tan pequeño e insignificante a los ojos de los personajes, lectores y espectadores, pero tan grande para la salvación de la humanidad como son los microorganismos celulares a niveles ínfimos, que si bien son pequeños en tamaño, son lo suficientemente grandes como para provocar la agonía y la muerte de los poderosos marcianos. Esta es una analogía de aquella frase que dice que el vuelo de una mariposa puede provocar un tornado al otro lado del mundo.

Pasaron más de cincuenta años para que un consagrado realizador cinematográfico, llamado Steven Spielberg, quien por ciento ha pasado por prácticamente todos los géneros del cine como terror (Tiburón), aventuras (Indiana Jones), Ciencia Ficción (E.T),drama (La Lista de Schlinder), bélica (Salvando al Soldado Ryan), Comedia (La Terminal), tuviese la idea, el ingenio y por supuesto las ganas de realizar un remake del clásico de 1953. Para ello tomó como actor principal a Tom Cruise, con quien compartió créditos en Minority Report del 2002.

La acción se sitúa cuando un tornado genera rayos que caen a la tierra, por los cuales viajan la esencia de los extraterrestres los cuales toman posesión de gigantescas maquinas enterradas en nuestro planeta, al parecer por miles de años.

En comparación con el libro y la primera película, este protagonista tiene dos hijos y una esposa, pero que su relación de familia es un elemento de constante choque y que gracias al desenlace de la película vuelve a recuperar la esperanza del amor y los sueños.

Spielberg toma de la mano el desequilibrio de la familia para dar brillo y expectación a esta singular guerra, es por ello que, el ataque de los marcianos contra los hombres es al parecer solo una excusa para el reencuentro y la unificación de los lazos familiares. En el ejemplo más claro vemos como nuestro protagonista se hace capturar por una de las máquinas marcianas con el motivo de rescatar a su pequeña hija, la lucha de un insignificante hombre contra una gigantesca maquina, el forcejeo y la derrota de ésta es una clara analogía de la epopeya clásica de David y Goliat, donde se pone a prueba la fuerza de la inteligencia contra la fuerza física.

Sin duda, los efectos especiales de la película son el fuerte atractivo que guía la acción y el desenlace al igual que en el libro y la película de 1953 está dado por los elementos más pequeños que componen nuestra vida y que al parecer son un fiel reflejo de los efectos de la evolución del hombre y su comportamiento directo con el planeta.

2005-08-16T17:51:00.000-04:00

Películas imperdibles en el tiempo, 1º parte

El llamado séptimo arte es un término que fue acuñado en 1914 por el italiano Riccioto Canudo en su libro “El Manifiesto de las Siete Artes”. En este se mencionan todas las ramas que conforman la máxima expresión de cultura dentro de la sociedad.
Lo que más llama la atención es que hacia 1914, solo habían pasado 2 décadas de la primera proyección de cine en el mítico café parisino a cargo de los hermanos Lumiere, razón por la cual, el tiempo trascurrido es evidentemente poco, en comparación con la demás ramas del arte como la arquitectura, pintura, escultura, danza, música y literatura, las cuales fueron evolucionando durante miles de años para reconocer su verdadera contribución a la sociedad.

El cine tiene poco más de un siglo de funcionamiento y son miles las películas que han pasado por nuestras cabezas, provocando lo que pocas cosas en la vida nos sorprenden e iluminan en un sólo abrir y cerrar de ojos: la alegría, el drama, la tristeza, el odio, la esperanza y muchos otros sentires con los cuales se alimenta nuestra alma.

En el recorrido por la historia del cine nos hemos encontrado con todos los sentimientos habidos y por haber, la creación de una pieza audiovisual indaga todos los sentidos del hombre, por lo que crea un sinnúmero de emociones y estados dentro del hombre.

El séptimo arte nos ha llevado a recorrer nuevos mundos, con él hemos conocido personajes de antología, nos hemos deslumbrado con narraciones espectaculares, con puestas en escena maravillosas, nos hemos conmovido con la luz y los colores de las magnificas direcciones de fotografías, hemos escuchado hermosas melodías y composiciones musicales; en fin, el cine es una completa y majestuosa obra de arte de aquellas que llenan el alma.

Partiendo por los inicios del cine, donde la innovación y la creación eran las principales herramientas y donde los realizadores incorporaban nuevas técnicas tenemos el caso de “El Acorazado Potemkin”(1925), del director Sergei Eisenstein, donde la estructura narrativa de la historia no es llevada tanto por los personajes ni por el desarrollo de las acciones, sino más bien por la herramienta del montaje, donde Eisenstein ocupa por primera vez en la historia del cine los llamados montajes rítmicos y métricos, lo cual significa que la trama de la película y los momentos de clímax son sincronizados a la perfección con el montaje de sonido, a la vez que la progresión dramática de las escenas y la estructura de la composición de la imagen y la música se ponen a favor del ritmo propiamente tal del film (ejemplo claro en la famosa secuencia de la escalera de Odessa).

El cine alemán es una doctrina metódica de sucesos y acontecimientos que ponen en tela de juicio el desarrollo y comportamiento de la sociedad, es por ello que “Metrópolis” (1927) de Fritz Lang, cumple con los procesos y experimentación de un cine de vanguardia. En esta película el desarrollo conceptual está ligado fuertemente al desarrollo tecnológico y cómo la sociedad se debe de enfrentar al permanente conflicto y lucha contra las máquinas. Esta es la primera película en la historia del cine en incorporar un robot con características humanas, que dicho sea de paso es un robot de genero femenino. La toma en que aparece esta robot es una de las grandes escenas del cine y donde uno de los conflictos futuristas a los que apunta Lang es justamente la creación de vida por parte de las máquinas donde la incorporación del robot femenino esta fuertemente ligado al nacimiento de la vida y cómo ésta puede llegar a caer a manos de la tecnología en un futuro cercano.

Otra de las películas que se merece estar en esta lista es sin duda “El Mago de Oz” (1939), del director Victor Fleming, que es una buena adaptación del clásico cuento infantil sobre una pequeña niña que es llevada por un tornado a un país desconocido, donde la inocencia y la fabula se mezclan para dar vida a personajes extraordinarios.Dorothy, junto a su perro Toto (nombre que incorpora el popular grupo musical) viajan por parajes alucinantes, donde la progresión dramática de la película pasa desde las primeras escenas en un color sepia, hasta llegar al país donde abundan los colores, los grandes escenarios, las pinturas mate, los trajes exóticos y la magia e inocencia de los personajes.

Siguiendo con esta lista tenemos lo que muchos críticos del cine llaman la mejor película de la historia, “El Ciudadano Kane” (1941), obra de Orson Welles, quien refleja los sucesos que acontecen en un mundo alocado tras la muerte de un magnate de las comunicaciones y sus ultimas palabras. Esta fue la primera película que desafió a la emergente industria del cine norteamericano y sus asociaciones de técnicos, al incorporar en los créditos finales el nombre del director, Orson Welles, más el nombre del director de fotografía, Gregg Toland. Esto fue para unificar el trabajo artístico de ambos y reconocer la magnifica puesta en escena, los planos y el trabajo de cámara y dirección de fotografía de Toland.

El cine musical fue una gran veta para la incorporación de un nuevo tipo de género en este rubro y de paso apreciar las dotes de los actores en el manejo escénico y musical. El caso más emblemático es “Cantando Bajo la Lluvia” (1952), de los directores Gene Kelly y Stanley Donen, que con una historia sencilla hacen disfrutar al espectador desde el carisma, la alegría, el amor, el humor y la comedia musical, en una película graciosa y simpática. El mismo Gene Kelly además de compartir crédito como director es también el actor principal, junto al histriónico Donald O´connor, Globo de Oro al mejor actor comediante y la tierna Debbie Reynolds. La famosa imagen de Kelly cantando y danzando bajo la copiosa lluvia es una imagen consagrada de amor y alegría que perdura durante varias décadas.